desarrollo de la fotografia latinoamericana

Este es un recorrido cronologico del desarrollo de la foto latinoamericana y algunos de sus exponentes mas potentes. En este recorrido podemos darnos cuenta de la variedad de estilos y tecnicas empleadas en la historia y el devenir de la fotografía latinoamericana.

Nacido en Niza, Francia en 1804, se radica a los 20 años en Brasil.
Fue un prolífico escultor, dibujante e inventor, considerado junto con
Niepce, Daguerre, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot como el padre de la fotografía al desarrollar un procedimiento de grabación de imágenes por la acción de la luz, motivado por su ingenio y por su penosa situación económica. Su procedimiento suponía la captación de imágenes con la cámara oscura y la utilización del papel como soporte, adecuadamente sensibilizado mediante nitrato de plata. Igualmente empleó las placas de cristal con una emulsión ideada por él mismo.
Sus inventos persiguieron el registro de los sonidos e imágenes. En 1830, y hasta su fallecimiento en 1879, vivió en Campinas, donde desarrolló gran parte de sus investigaciones e inventos.

Nace en Rio de Janerio en 1843. A los 8 años queda huérfano y es trasladado a Paris a vivir bajo la custodia del escultor y grabador Alphée Dubois. En 1959 regresa a Brasil a trabajar para el fotógrafo George Leuzinger, donde conoce a Franz Keller-Leuzinger de quien aprende técnicas fotográficas. En 1865 inaugura un negocio propio de fotografía bajo el nombre de Casa Marc Ferrez & Cia. Cuando 6 años más tarde un incendio destruye su negocio, se dedica, por encargo o de forma espontánea, a fotografiar retratos y paisajes, festejos públicos relacionados sobre todo con la familia real, eventos civiles y militares, destacando vistas del mar y fotos de navíos de la Marina, por las que obtuvo el título de Fotógrafo de la Marina Imperial, otorgado por el emperador Pedro II.
En 1875 es llamado a participar en una expedición financiada por la comisión geológica del Imperio, teniendo así la oportunidad de recorrer la zona del noreste de Brasil (actuales estados de Bahia, Pernambuco, Alagoas y parte de la región amazónica), retratando los diversos paisajes y una detallada etnografía indígena.
Entre 1865 y 1914 registró la naciente industrialización brasilera, el cambio de sus ciudades y el desarrollo económico, en un trabajo desarrollado en estrecha colaboración con el emperador Pedro II.
Ya siendo un reconocido fotógrafo brasilero, realiza a partir de 1903 la documentación de las obras de construcción de la Avenida Central en Rio de Janerio, trabajo que una vez terminado es publicado en 1907 en el álbum "Avenida Central: 8 de marzo de 1803 – 15 de Noviembre de 1906".
En 1915 se traslada a Paris donde cursa estudios de fotografía en color, y regresa a Brasil a principio de la década del 20, poco antes de su muerte en 1923

En el año 1976 el Instituto Nacional de Antropología e Historia de México se hizo cargo de resguardar el material fotográfico iniciado por los hermanos Agustín Victor y Miguel Casasola – además de casi 200 otros fotógrafos – entre los años 1895 y 1972 en México. Así se dio inicio a la fototeca nacional, casi medio millón de imágenes que han ido y venido por todo el mundo hablando de lo mexicano. Es un vasto archivo de visualidad azteca que de alguna u otra manera está presente en el imaginario colectivo de los mexicanos a través de héroes revolucionarios pero también de escenas de la vida cotidiana, el quehacer laboral, personajes públicos, indígenas, así como aspectos del desarrollo tecnológico y del crecimiento del país.
El fondo Casasola ha marcado de modo inexorable el destino de la fotografía en México y se ha encargado, de modo paulatino y tácito, de construir una identidad estética única además de un registro histórico público, pero íntimo como ningún otro.

Uno de los padres de la fotografía mexicana.
Nace en Ciudad de México en 1902, su padre fue profesor y también fotógrafo y artista amateur.
En 1915 se inscribió en la Academia de San Carlos para estudiar arte y música, y recién en 1924 obtiene su primera cámara fotográfica, inducido a comprarla por el fotógrafo alemán Hugo Brehme, quién fue una gran influencia para él.
Por aquellos años se introduce más y más en la bohemia artística y conoce a gente como Diego Rivera, Pablo O'Higgins y Tina Modotti. Esta última, al ser exiliada de México en 1930 le heredó a Alvarez Bravo su trabajo en la revista Mexican Folkways fotografiando a los muralistas de la época. Un años después vuelca toda su dedicación y tiempo de lleno a la fotografía.
Como muchos de sus colegas contemporáneos, se interesó mucho en los problemas político-sociales de la época, era un fotógrafo comprometido e informado; pero no solo fue un espejo de la sociedad de entonces sino que aportó una nueva mirada y un particular punto de vista, siempre nutriéndose de las más recientes corrientes artísticas, como las vanguardias.
El escritor francés André Breton se fascinó con su trabajo, catalogándolo como de un surrealismo innato. De esta amistad nacieron variadas colaboraciones con los surrealistas.
En la década del 40 Álvarez Bravo se introdujo en el mundo del cine y se consolidó como artista. Trabajó junto a Sergei Eisenstein en "¡Que viva México!", dirigió el largometraje "Tehuantepec" además de varios cortometrajes.
Los recursos que recurrentemente usa hacia esta etapa más madura de su vida son la yuxtaposición, la figura del oxímoron y la paradoja, donde la ambigüedad del mensaje nos invita a crear un significado propio y particular, dándole nuevos significados a las imágenes. Manuel Álvarez Bravo muere en el 2002 a los 100 años de edad, dejando una vida llena de logros, éxitos y reconocimiento de sus pares. A pesar de ser un fotógrafo reconocido mundialmente y de tener una obra universal, deja también un legado especialmente para su pueblo que contribuyó a la definición de México a través de sus imágenes que los descubren y determinan; los retratan y los muestran, desde un legendario lente y un inmortal ojo.
En la década del 40 Álvarez Bravo se introdujo en el mundo del cine y se consolidó como artista. Trabajó junto a Sergei Eisenstein en "¡Que viva México!", dirigió el largometraje "Tehuantepec" además de varios cortometrajes.
Los recursos que recurrentemente usa hacia esta etapa más madura de su vida son la yuxtaposición, la figura del oxímoron y la paradoja, donde la ambigüedad del mensaje nos invita a crear un significado propio y particular, dándole nuevos significados a las imágenes.
Manuel Álvarez Bravo muere en el 2002 a los 100 años de edad, dejando una vida llena de logros, éxitos y reconocimiento de sus pares. A pesar de ser un fotógrafo reconocido mundialmente y de tener una obra universal, deja también un legado especialmente para su pueblo que contribuyó a la definición de México a través de sus imágenes que los descubren y determinan; los retratan y los muestran, desde un legendario lente y un inmortal ojo.

Tina Modotti fue una de las mujeres que se adelantaron a su tiempo: luchó por los derechos de la clase desposeída en un país que no era el suyo pero que acabó siendo su patria, con su lente capturó la maravilla de una nación floreciente.
Nació en Udine, Italia en 1896. Hasta los 12 años se educó entre Italia y Austria, pero a esa edad tubo que dejar de estudiar y comenzó a trabajar para ayudar a su familia en su difícil situación económica. A los 17 años emigró con su familia a San Francisco, Estados Unidos, donde se empleó en una fábrica de seda y después como modista (hasta 1917).
Se casa con el artista Roubaix de l'Abrie Richey a los 21 años y una años más tarde incursiona en Hollywood como actriz de películas mudas y como modelo de varios fotógrafos y artistas de la época. Uno de esos fotógrafos fue Edward Weston, con quien desarrollaría una especial relación y quién la introduce en el mundo de la fotografía no desde el punto de vista del modelo, sino desde el fotógrafo.
En 1922 llegó a México donde conoció a Frida Kahlo, Diego Rivera y a David Alfaro Siqueiros, con quienes cultivó una gran amistad. Cuando su esposo murió un año mas tarde, pudo concretar definitivamente su relación con Weston, radicándose definitivamente en México.
Modotti siempre se sintió profundamente conmovida con la situación latinoamericana y en especial con la clase trabajadora de la posrevolución mexicana. En 1927 se afilió al Partido Comunista Mexicano y desde ese año hasta 1940 Trabajó como editora, colaboradora y fotógrafa de la revista Folklor Mexicano.
Tina fue una mujer de lucha y activista, participó en la campaña Manos fuera de Nicaragua en apoyo a la lucha de Augusto C. Sandino y ayudó a fundar el primer comité antifascista italiano.
Para su época fue una mujer de dudosa decencia que escandalizaba a la mojigata sociedad mexicana con sus liberales costumbres.
En 1930 fue expulsada de México por razones políticas, entonces se dirige a Berlín (seis meses) y de ahí pasa a Moscú en donde la ascienden al Comité de Socorro Rojo Internacional y la envían junto con Vittorio Vidali, a París, para dirigir actividades antifascistas en la Europa Occidental hasta fines de 1935, en que los mandan a España. Participa en la guerra civil española como no combatiente y Vidali como comandante (Comandante Carlos). Regresan a México al triunfo de Franco y muere en enero de 1942 de un ataque cardiaco, aunque hay historiadores que ponen en duda que haya sido de "muerte natural".
En su lecho de muerte se ve un verso de Plablo Neruda:
"Tina Modotti, hermana, no duermes, no, no duermes;
tal vez tu corazón oye crecer la rosa
de ayer, la última rosa de ayer, la nueva rosa."

La obra de Marta María Pérez se inscribe con autenticidad dentro de estos discursos que han hecho del cuerpo femenino un terreno de expresión simbólica (...) En Marta Pérez resalta la puesta en escena, perfomática, del cuerpo propio; haciendo al yo protagonista de un mito personal, sin implicaciones testimoniales circunstanciales sino a partir de un espacio-tiempo mítico, o más bien reclamando una codificación mitologizante algo onirica y religiosa. Los códigos utilizados en su mayoría, hacen referencia a los oficios religiosos sincréticos cubanos; pero también insertan elementos de la liturgia cristiana primitiva y equivalencias simbólicas muy comunes a varias mitologías. En su obra, las reflexiones sobre el yo y sobre la identidad personal vienen enunciadas como una construcción —desde lo más íntimo— de nuevos fetiches.
Es una artista muy conceptual que busca que el espectador atribuya elementos intricicos a su obra.
Nace en la Habana en 1959, y estudia fotografía en el Instituto Suprtior de Arte en la habana cuba, entre los años 1979 y el 1984, tiene un extenso trabajo y ha ganado muchos premios gracias a el, su obra se puede encontrar en colecciones como:Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana, Cuba.Fototeca de La Habana, Cuba.Museo de Arte de Pori, Finlandia.Ludwing Forum, Aachen, Alemania.Galería Ramis Barquet, Monterrey, México.Colección Cisneros, México.Fondo de la Colecciñón del Centro de Arte Contemporáneo de Guadalajara, México.Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España.Galería Luis Adelantado, Valencia, España.Museo Español e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Badajoz, España.Fondo Fotográfico de la Colección de Arte ARCO, Madrid, España.Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Isla de la Cartuja, Sevilla, España.Galería Throckmorton, Nueva York, USA.

Vik Muniz:

Nace en Brasil en 1961 y se radica en Nueva York en el ano 1983. La primera etapa de su estadía en Estados Unidos fue muy esforzada y poco productiva, trabajando en lo que pudiera solo para sobrevivir. Su carrera arrancó en 1995 con una exposición de seis pequeños retratos, bajo el título de The Sugar Children (Los niños del azúcar) en el Soho.
Gracias a su extraña y maravillosa selección de materiales, su objetivo es obligar al espectador a reexaminar aquello que ve o piensa que ve, que suele ser una imagen bien conocida, como la Plaza de Tiananmen, la Mona Lisa, Pollock, un clip, los "Almiares" de Monet, todos ellos recreados con polvo o jarabe. "¿Qué es lo que estoy viendo? Ésta es una de las preguntas que siempre intento evocar con mi trabajo. Soy un artista totalmente guiado por la retina".
Muniz prefiere trabajar con materiales tan cotidianos que al sacarlos de contexto genera un diálogo con el espectador con el fin de engañarlo, de producir una segunda y tercera mirada a la obra. Sus reproducciones de imágenes conocidas son intrigantes; siempre hay un aire de extrañeza casi imperceptible provocado por leves imperfecciones intencionadas. Además su trabajo tiene cierto carácter de efímero por lo inestable y perecedero de los materiales de sus composiciones que luego de la fotografía no tienen mayor valor.
"Mi pretensión es redefinir los medios, haciéndolos más físicos. Cuando el espectador se percata del material del que está hecha la fotografía, comprende que una imagen siempre está hecha de algo. Gran parte de los elementos de partida que manejo no son intelectuales, psicológicos o políticos, sino físicos. Mi objetivo es que la gente se pase más tiempo observando la imagen".
Algunos de sus trabajos son: Mona Lisa de Leonardo Da Vinci trabajado en gelatina y otra en mantequilla de maní, La Última Cena de Leonardo Da Vinci en salsa de Chocolate, Niños del azúcar hecho de azúcar.
"Mi pretensión es redefinir los medios, haciéndolos más físicos. Cuando el espectador se percata del material del que está hecha la fotografía, comprende que una imagen siempre está hecha de algo. Gran parte de los elementos de partida que manejo no son intelectuales, psicológicos o políticos, sino físicos. Mi objetivo es que la gente se pase más tiempo observando la imagen"
Algunos de sus trabajos son: Mona Lisa de Leonardo Da Vinci trabajado en gelatina y otra en mantequilla de maní, La Última Cena de Leonardo Da Vinci en salsa de Chocolate, Niños del azúcar hecho de azúcar.

Nacida y criada en México en 1973 proviene de una clase social acomodada.
Las imágenes de Daniela Rossell, minuciosamente estudiadas, parecen enteramente imaginadas, incluso de un modo delirante. Lo que revelan sus personajes le otorga a su fotografía un aire de locura apenas contenido. Centra su mirada etnográfica no en las vidas cotidianas de los humildes y en sus tradiciones y costumbres inmemoriales, sino en su propia clase social: los oligarcas cuyo poder económico y político mantiene a los humildes en su sitio. O no precisamente en los oligarcas en persona, sino en aquellos que viven a su cargo, sus esposas y sus hijas (y ocasionalmente sus hijos, aunque está claro que el interés principal de Rossell radica en las vidas de las mujeres).
Su trabajo "Ricas y Famosas" que se enmarca en una tendencia artística que se podría llamar de arte de contenido social realista involuntario, retrata el estilo de vida de los millonarios mexicanos, o más precisamente de las hijas de papi (cuyos progenitores incluyen a ex presidentes, secretarios de estado y empresarios) mostrándolos en sus espacios privados y creando para ellos escenarios que tienen que ver con sus enormes mansiones, sus vestidos de firma, sus colecciones de arte, sus muebles suntuosos o sus espléndidas piscinas.

"En lugar de documentar la vida de los indígenas, la pobreza urbana o exóticas escenas populares, he elegido explorar el hábitat, las costumbres y tradiciones de la minoría más pequeña de México, los ultra-ricos", dice la autora.

El proyecto TAFOS -Talleres de Fotografía Social-, iniciado en 1986, finalizó sus actividades en 1998, cediendo su archivo documentario y fotográfico a la Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Desde entonces se ha establecido como Archivo Fotográfico TAFOS / PUCP.
Ahí se reúnen más de doscientas mil imágenes captadas durante doce años por dirigentes de comunidades campesinas, dirigentes obreros, estudiantiles y dirigentes populares del Perú. Debido a su valor histórico y artístico el Archivo Fotográfico TAFOS / PUCP es hoy uno de los bancos de imágenes más importantes y reconocidos
de Perú.

Las imágenes del archivo fotográfico TAFOS / PUCP han sido vistas por muchas personas gracias a su publicación en distintos medios como revistas, diarios, libros y exposiciones, tanto de alcance nacional como internacional.
Cabe resaltar la inclusión de 100 imágenes del Archivo en la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York.



Antecedentes del proyecto Tafos en relacion a la fotografia social.


Aquellas fotografías que emocionan, impresionan y hasta estremecen, varían según el país y la época; sin embargo todas logran crear empatía y se convierten en símbolos, mucho más allá de una simple representación. Su poder se ha demostrado muchas veces en la historia: La guerra de Vietnam, por ejemplo, se terminó entre otras razones por la campaña montada sobre la base de documentos visuales que mostraron los abusos cometidos por ambos bandos.


Ha habido también varios proyectos que utilizaron a la fotografía como un instrumento de reivindicación popular. En América Latina resaltan el "Cine Antropológico" de Argentina y la "Casa del Fotógrafo" en México. De Estados Unidos recordamos los trabajos de la "Farm Security Administration" y del "Foto League" en la década de 1930. En el Perú podemos mencionar a Martín Chambi, y en la década de 1990 los intentos de Carlos Domínguez y Herman Schwarz de organizar agencias de fotografía con intenciones sociales. Además, podemos mencionar el inmenso número de publicaciones realizadas por diversas ONG que incluyen fotografías con el objetivo de crear medios de identificación para sus destinatarios y para mostrar su ámbito de trabajo frente a terceros. Sin embargo todas estas iniciativas tienen en común el carácter profesional de sus protagonistas; son fotógrafos, reporteros gráficos, sociólogos, antropólogos, comunicadores, etc., quienes elaboran una visión de los sectores populares a los que no pertenecen.

La Fundación ph15 está conformada por un grupo de personas que cree en la educación a través del arte y en su utilización como medio de inclusión social.
Los talleres brindados por ph15 poseen un carácter totalmente innovador, tanto por su didáctica de trabajo como por ser una experiencia que posibilita un espacio de integración, desarrollo de la identidad y de la expresión artística a chicos de muy bajos recursos.

El proyecto empezó en agosto de 2000 por iniciativa de un grupo de chicos de Ciudad Oculta que querían aprender fotografía.

Las actividades de los talleres están orientadas al despliegue de la creatividad fotográfica. A través del aprender a mirar y mostrar las distintas realidades de sus vidas, tanto de forma individual como grupal, se enseña a los chicos a explorar todo lo que los rodea y a expresarse a través de su propia mirada, con otra perspectiva. Sin dejar nunca de lado la búsqueda de la calidad artística, ph15 genera un espacio de formación de identidad que contribuye a mejorar la condición social y cultural de los chicos; utiliza el poder creativo de la fotografía para abrirles una vía alternativa que transmita, de manera práctica y directa, valores y referentes culturales que son propios y no impuestos. Les permite apropiarse del lugar en el que viven, descubrir nuevos espacios a través de las salidas que organiza la Fundación, e interactuar con lo que los rodea. A través de las actividades de ph15 los chicos no solamente salen de su barrio, también aprenden a moverse en la ciudad y conocen lugares a los que no tienen habitualmente acceso.